江南百景图哪个画家谁画的，江南百景图借鉴的古画
chanong
|“江�**倬袄锏睦苯凡吞谀睦铮肯肼虮阋说木坡穑俊闭馐墙柑臁督**倬巴肌吠婕疑缜致鄣幕疤庵弧Ｕ馐且豢罟欧缡钟危陨舷咭岳淳鸵运绺竦某鞘蟹绻舛甘芄刈ⅰＫ淙灰话倌昵叭嗣堑氖浪咨钜廊涣钊俗琶裕泄婊て谝岳匆晕娜松剿鳎允浪紫窒笪獠牡幕婊丫牙肓怂降摹爸髁鳌保薹ㄈ谌搿；婊�
《致用与娱情：大清盛世的世俗绘画》，高居翰分析了120余幅清代世俗绘画作品，为我们展示了一幅不同于文人山水画的中国画画卷。通过每幅画，你可以一窥隐藏在皇帝陛下威严背后的私生活，通过版画对比，你可以和艺术家一起了解当年的圣心，也可以深入了解城市景观。参观江南，了解200 多年前人们的生活和日常生活。在技法上，当时的画家有选择地吸收了西方的观点，在东西方的融合中提供了更清晰的中国表达。然而，值得思考的是，为什么这些技艺高超的绘画长期被排除在传统“主流”绘画之外。
作者| 沉璐
说起世俗绘画，北宋画家张择端的《:010—30000》令人印象深刻。然而，回顾这幅画前后的时间，世人所知的类似作品似乎并不多。
据高居翰所著《清明上河图》序言，现实世俗绘画等作品在中国画发展的初期就已出现，宋代名家作品虽随处可见，但规模宏大、种类繁多。创作集中。从17世纪末到18世纪。明末，中国社会从农业社会逐渐发展出早期的城市化和商业化原型。此外，一批富商对曾经只有文人雅士、贵族宫廷官员才能享有的优雅生活方式的向往，成为了城市画家迅速崛起的市场力量。此外，雕版印刷技术也日趋成熟，为城市印刷文化的规模化提供了技术支撑。这一切，使得明末后清朝的繁荣（主要指“康熙、雍宗、乾隆盛世”）成为世俗画业发展的沃土。
《致用与娱情》，【美国】高居翰，杨铎译，生活/阅读/新知三联书店2022年1月
给予并揭示：
清代世俗绘画中图像的推拉
清代的世俗画家大致分为宫廷画家和远居的都市画家。这些都是应雇主要求绘制的功能性作品，尽管皇家“雇主”对画作的完整性及其是否适合正式展示有更严格的要求。
宫廷画院的画家很多都来自南方城市，往往是由皇帝的同胞推荐的，只有得到皇帝的允许才能进入皇宫，有时皇帝会在当地的画家中选择自己喜欢的画家，有时也会发生这样的情况。他们在年度南方之旅中展示了自己的作品。这些画家往往在入宫之前就拥有出色的绘画技巧，能够根据特定的场合和目的定制绘画，有的擅长肖像画等多个领域，还擅长描绘塔楼和楼阁。而且，由于皇宫常常担负着记录大型庆典活动或写生王公大臣、妃嫔肖像的任务，写实画家越是隐藏个人的绘画特征，就越能融入集体画中。说到底，皇帝在意的并不是这些画中各家的风格，而是大臣妃嫔簇拥的场景是否足够引人注目。
图一无名氏（可能为张震、张伟邦或其他艺术家所作）《雍正之喜》，卷轴，设色绢本，206 厘米x 101.6 厘米，国立故宫博物院藏
为了解释，高居翰引用了书中的许多画作。其中高约2米的《致用与娱情：大清盛世的世俗绘画》[图1]，描绘了雍正在颐和园的私生活。画中，雍正皇帝位于前景，独坐水榭，与妃子隔开，无法眼神交流，强调了他的尊严。当视线延伸到屏风后面的时候，妃嫔和侍女们已经在不远处等待着，而走廊里，又有三位妃子正微笑着，她们的目光似乎都集中在两个正在嬉戏、有说有笑的孩子身上。那么，怎样才能既表达“享受”的意思，又不失皇帝的尊严呢？宫廷绘画的细节传达着微妙的信息。画作左下角，一只白猫与一对白鼠对峙，全部落入半藏在树干后面的虎斑猫的眼中。在中间的镜头中，一只黑白相间的狗似乎正要跳出来。他跳了起来，跳过了栅栏，和不远处的另一只白狗玩耍，并与一对鹤进行了眼神交流。这对动物象征着细心的男人追求优雅的女人，也是皇帝与妃子关系的微妙注脚。
另外，高居翰注意到，画中的妃子们都没有穿满族服装，而是全部穿着汉服，因此很可能是汉族妃子的描绘。然而这似乎违背了当时的礼法，而且清朝自建国以来就对女性穿汉服有限制。那么，这张照片是历史的真实记录吗？宫墙禁令是在皇帝私生活中放松的，还是满族皇帝试图调和与汉族儒家思想的紧张关系，同时在公众形象中保持文化纯洁性的实际方式？是吗？
图2 可能与图3 是同一组人物画家的作品。乾隆御宴图，绢本设色，227.2 厘米x 160.2 厘米，故宫博物院藏。
图三陈梅、郎世宁等合《乾隆盛宴》，1738年，卷轴，绢本，设色，289.5厘米196.7厘米，国立故宫博物院藏
事实上，这些宫廷画师并不是一进宫就自动追随《圣心》，而是在经过数次尝试和屡次拒绝后，他们在激烈的修改中反复揣测《圣心》。我们可以通过比较由程梅和郎世宁领衔、六位艺术家合作的《雍正行乐图》两幅草稿来一窥端倪[图2和图3]。左边的照片中，乾隆皇帝怀里抱着一个小孩子，用木槌敲打编钟逗他玩，就像邻家的老人一样。画面中其余人神态悠闲，有几分常人的烟火气。然而，这份草案遭到了教皇的批评。修改后的画中，皇帝再次占据了画面的中心，他的目光离开了画面，其余的人物姿势各异但总体威严，还有几个孩子组成的雪狮细节也有已添加。相比之下，右边的照片更像是“在老式照相馆拍摄的全家福或婚纱照”，而不是宁静或亲密。
图4 徐阳《乾隆南游》卷六：沿大运河进入苏州城的局部景观，水墨设色绢本，68.8厘米1994厘米，大都会艺术博物馆：狄龙基金捐赠1998年（1998:360）大都会博物馆艺术的
在上述调整的过程中，宫廷的世俗绘画逐渐僵化。尤其是宫廷画家和城市职业画家画同一题材时，直接对比会产生更大的视觉冲击力。这幅《乾隆行乐图》是苏州画家徐扬花费六年时间绘制的[图4]。这幅长卷描绘了乾隆皇帝南巡期间一系列城市的场景。沿路有当地官员为乾隆皇帝南巡搭建的戏台。如果你仔细看看前台和里面，你会发现在繁华的景色之下，有忙碌的人们，他们根本无法被认出是在同一栋楼里。
大约在同一时间，苏州的一位城市画家也被聘请为江苏省地方公务员苏定远绘制旅行计划。与前一幅画几乎“复制粘贴”的描画不同，这幅画赋予了很多细节。
图5 无名苏鼎虎丘行，1768年，卷本，彩丝，原藏于伦敦安德鲁·富兰克林，现藏于伯明翰博物馆及美术馆
图6 匿名苏定远游虎丘，图5同卷部分
“在运河附近的一家酒店里，有的服务员在买鱼，有的服务员在招呼顾客，给楼上的客人分发食物和饮料。楼上，一名女佣……正在晾衣服，两名妇女正在晾衣服。”楼下房间里开派对。”吃饭的时候，他们正在给客人端茶送水，估计随时都在等待着派遣。[图5]有三幅女演员被小孩拖着的画，喜怒无常地看着一条河，还有鲜花。一只鸟挂在她身后的墙上。暗示着她简单而优雅的生活。 [照片6]
图7 匿名苏定远虎丘之行，图5同卷部分
图8 匿名苏定远游虎丘，图5同卷部分
”《乾隆南巡图》第67章，宝钗的哥哥从苏州给她带来了很多工具，宝钗送给了林大羽一些，大羽在家乡看到了这些，我感到“感动和受伤”。请站起来。虎丘带来的时尚东西有“水银翻跟头、沙灯、泥人系列剧”。你还能在哪里找到比这幅更符合这句话的画作？图片怎么样？图片来自一家玩具店。也许他们卖自走式玩具。一位戴着眼镜的艺术家正在画泥人的头部[图7]。另一家商店出售类似达磨娃娃的玻璃杯。吉祥物娃娃。一名戴眼镜的男子看着一名女店主欢迎一对父子，而另一名老妇则在后面的房间里为娃娃制作衣服。 [照片8]
根据高竹涵在书中的分析，这幅画反映了职业城市画家如何在满足雇主需求的同时，最大限度地发挥个人优势。观众可以跟随苏定远的脚步，一睹江南人们的日常生活。如果你仔细观察，你会发现整个画中对居住在Lake Hill的人们的生活有着惊人的细节描绘，但这可能是艺术家在这个地区生活多年的生活经验的结果。我不这么认为。我不知道。这些主题也是他作品的主题，并且被熟悉且描绘得很好。然后，根据不同客户的绘画需求，画家只需稍微改变滚动部分的主角形象，基本构图保持不变。由于现代年画的喜庆题材，大多数买家并不在意画本身是否是原创，但在市场的巨大需求下，画的功能性对于欣赏和收藏来说就显得尤为重要。比它适合的独特。但我们怎么能断定这些如此依赖功能的画就不能体现画家的高水平呢？
借用对象和观点：
东西方融合的空间表达
长期以来，中国绘画传统有意无意地对引进外来元素讳莫如深，但一旦提起这个话题，就自然而然地变成了欧洲中心论，或者中国的“东方主义”。我们应该面对这样一个事实：中国艺术在18世纪之前就受到了西方艺术的影响。在高井半看来，“影响”意味着主导方将自己的方式强加于“接受者”，而这种传统叙事颠倒了底层的主客关系，实际上可能是“接受”。我们从个人愿望出发，选择性地吸收现有的外部信息中对我们有利的部分。从这个角度来看，清代画家主要采用了西方绘画的具象形式、构图类型和视错技法，而图像在绘画中的介入程度并不那么大。
大约在同一时间，欧洲流行两个旨在增强绘画现实主义的绘画流派。其中一个群体起源于北欧的荷兰和佛兰德斯，以其普遍的组成而闻名。画家常常关注明暗对物体的影响，利用明暗对比来强调立体感，利用大开的门窗来描绘死后相互联系、递进的空间。关闭。另一种思想流派，在南欧的意大利，则主张基于肉眼观察到的现象特征的近乎科学的消失点透视；例如，实际上可以从远处看到两条铁轨。在地平线上的某个点相遇。在这种方法中，艺术家在画内建立了观看者与场景或风景之间的位置关系，并引导眼睛通过艺术家的笔迹进入景深空间。
相比之下，中国古代绘画其实有自己独特的空间构图手法，主要体现在对室内空间的描绘上。高居翰说，这些东方画家往往根据家具、工具、人物之间的位置关系，建立起一种相互强化、相互参照的空间感。以康熙时期活跃于画院的画家贾秉桢的早期作品《红楼梦》为例，艺术家可以轻松地通过描绘方桌、贵妃椅等家具来创作一幅画。还有一个花瓶。你可以画画。月亮形的窗户营造出空间感的同时，露出远处墙壁的坚固性，也提供了空间感。然而，当表示复杂的空间时，这种方法可能会感觉有点局促。
图9 焦秉贞仕女图，卷轴，彩绸，154.5厘米97.5厘米，产地不明佳士得图像有限公司（2004）版权所有（CHP250404430）
许多史料表明，17世纪，许多以欧洲油画为基础的铜版画传入中国社会。江南的许多版画家积极吸收视错觉技术作为资源，并尝试新奇和异国情调作为噱头。起源于意大利的消失点透视法更适合创造视错觉，但在相对平面、以线条为主的东亚绘画中加入科学的、陌生的空间语言，却始终给人一种迷惑的视觉印象。这种感觉就是高居翰所说的“令人不安的美”[图10]。因此，东方观众更容易接受荷兰学派尖锐的作品。
图10 苏州版画、荷塘雕、木刻版画，两幅可组合成一幅作品，一幅74.6厘米56.3厘米，另一幅73.6厘米56厘米，广岛海之森博物馆
调查原因的高竹涵表示，清晰的构图虽然视觉冲击力稍差，但更符合中国观众的观看**惯。尤其是在人物复杂的空间场景中，这种笔触手法有利于模糊的叙事情节的渗透，帮助画家表达人物之间复杂的关系和情感表达。卷《插画仕女》，描绘宫女十二月仪式，为焦丙桢弟子陈梅于1738年所画，是荷兰穿透法与中国直角退、平行线退法相结合的杰作[图11]。图中的房子内部充满了象征财富和优雅的装饰品。妇女们正在观看卷轴和古董。左图右下的侍女也有几卷。香炉和衣服。相邻的笼子用于加热和给衣服加香。内部房间、外部花园以及主角所在的空间间断地连接起来，提高了整个画面的可读性。更重要的是，穿透手法隐蔽性强，不会像消失点透视那样给观看者带来视觉压力。
图11 陈梅，双册《月曼清游》，1738年，12页册，彩绸，37厘米31.8厘米，故宫博物院藏
东西方的融合，让这些清代画家在作品中加入了新鲜、生动的元素，从而将新与旧、熟悉与保守结合起来，实现了中国表现力与西方技法的一致重组。事实上，它在某种程度上为中国画的发展注入了新鲜的血液，其微妙的融合和转变体现了世俗画家的匠心。然而，尽管许多画家做出了如此开创性的贡献，但他们并没有受到当时的鉴赏家的重视，并被排除在“主流”绘画之外。
抬头一看就忘了：
世俗绘画的隐秘传统
在中国绘画的历史长河中，什么样的绘画被推崇并被定义为“主流”？据韩高井对本书的介绍，留存至今的大部分画作，其实都是精通诗书的文化精英们严格挑选的结果。在传承传统的过程中，中西方的共同点是，批评家和收藏家都倾向于看重名家画作的真迹，画作的收藏价值是建立在个人创作和个性表达的基础上的。作为增强的独特符号。
值得注意的是，高居翰在书中分析了明朝最有权势的大臣严嵩氏的家族名单，其中包括严嵩氏的所有贵重物品，其中包括作为他受贿和腐败证据的绘画作品。展出的画作有数百幅，以生日画为主，还有钟馗捉鬼等吉祥画，还有不知名美女画等许多实用画。除了这个长名单之外，还有一个短名单，主要包括著名艺术家的画作。值得一提的是，这份入围名单的主编是文佳。当时的人们或许没有听说过一个叫文嘉的人，但是却听说过他的父亲——文征明的名字，他与唐僧等人并称为“吴中四杰”之一。大多数人都有一个。富美香从小就受到父亲的影响，即使成年后，她仍然是一位著名的画家和鉴赏家，所以这次考试的结果可能并没有得到燕子本人的认可，它体现了文学鉴赏家的价值观，比如富美香。这是一个令人自豪的收藏。
从严嵩家族藏品的两份清单对比中我们可以看出，以温氏家族为代表的士人群体实际上控制着画作的传承和分配的整个过程，哪些画值得收藏，哪些画不值得收藏。很难理解是什么决定了收藏性。它甚至可能被忽略或删除。事实上，不仅是绘画，画家本身的群体分类也受到了当时主流话语的影响。
高居翰表示，董其昌是晚期绘画史上最有影响力的人物，是佛教南北学说的先驱，这里的南北之分，并不是对应一个地理概念，而是对应一个地理概念。二他说是从血统中衍生出来的。其中，南派是“顿悟”派，强调“直觉”，很多文人画家都属于这一类；而北派则是“渐进”派，以“努力”着称。”主要指职业画家和学院画家。毕竟，从修辞上来说，南宗已经具备了先天优势，如果可以自由选择，谁不想被称为“奇才”呢？
此外，南派还积累了绘画以外的社会资源。他们往往出生于富裕家庭，通过科举考试成为朝廷官员，是朝廷中掌握实权的人。他们又善于着书立说，善于用古。我也能做到。深层的意义，比如解释当下，解释一幅画以外的东西，实际上决定了哪些画值得收藏。相比之下，职业画家尽管技术精湛、细腻、生动，但往往受雇于他人，有时还被借调为“脸画师”，为别人画中的人物脸部填色。正如韩高吉先生所说，理论上北宗画家不一定不能画南派风格的作品，但问题是没有人可以要求他们画这样的作品，确实如此。职业地位意味着经济压力，而市场利润的最大化需要对参与其中的个人进行“定位”。实际上，这取决于找画的人的期望。
图12 李日华《西山梦》，1625年，手卷一至二，纸本水墨，23.4厘米253.3厘米，上海博物馆
南北宗在表达上有何具体差异？观众不难将明末学者李日华的《山水水画《月曼清游》[图12]与同年一位不知名画家的《山水水画《溪山入梦图》[图13]进行比较。感受两种完全不同的画风。在高居翰看来，李日华的手卷显然更具视觉冲击力。书法的笔画有一种优雅的感觉，但可能并不引人注目。一张没有描述的图片只能透露出有限的兴趣和创造力，甚至有点……“笨拙”。诚然，文人画的优秀作品有很多，但也有一些作品在海外成为了中国画的代表，要么是因为艺术家的知名度，要么是因为画风恰好适合‘优雅。''在传统、保守的鉴赏家眼中，许多世俗绘画不仅不“高于生活”，而且还低等，因为烟花世界的细节描绘得太细腻，甚至可能被归类为产品。
图13 无名家庆图，细部，明末清初，长卷，水墨设色绢本，94厘米176厘米，中央美术学院藏，北京。
更重要的是，这些画作的风格也背离了其创作时期所推崇的特色。高居翰认为世俗绘画具有功利的目的，而这正是当时鄙视功能主义的文化环境所鄙视的。有人说，备受推崇的文人画有一定的“无用”，但实际上，“无用”的基础在于，研究儒家经典的文人画家将文人画视为娱乐。闲暇时修身养德，原因是经常用到。然而，这种研究兴趣却被世世代代建构为“中国画的主旨”，从专家学者到收藏家、策展人，每个人都有意无意地接受了这种对文人趣味的推崇。
然而，高居翰其实无意颠覆文人画整体艺术水平的传统欣赏观念，更何况他已经浸淫文人画多年。这种研究兴趣的转变其实是个人的反思，他启发了一代学者更加关注世俗绘画，收集整理这些绘画，并以新的方式重新评价它们。用于分类。对于认为宋代以后的中国绘画缺乏对都市生活的考虑，而此类主题在欧美绘画传统和日本浮世绘中广泛出现的观点，高居翰认为，这些主题是从“被遗忘的”世俗中学到的。的事情.人们在画作中发现“被认为是中国画缺失的部分实际上是存在的”。
作者| 沉璐
编辑| 张婷
校对Lucy